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10 œuvres de l’Art Institute of Chicago à ne pas manquer

10 œuvres de l’Art Institute of Chicago à ne pas manquer

De l’America Windows à American Gothic, Musement se penche sur 10 œuvres incontournables de l’Art Institute of Chicago.

Chicago est une ville qui ne manque pas de ressources: avec son architecture, ses Cubs, ses hot-dogs, son lac Michigan, ses restaurants, son quartier de Pilsen et bien évidemment, son Art Institute of Chicago.

Fondé en 1979, l’Art Institute of Chicago, l’un des plus anciens musées des États-Unis et le deuxième plus grand du comté, mérite sans aucun doute une visite. La collection comprend 300 000 œuvres d’art réparties entre 11 départements de conservation, couvrant 5 000 ans d’histoire et de cultures diverses.

Le musée, avec sa superficie de plus de 90 000 mètres carrés, est véritablement immense et il est ainsi fortement conseillé d’organiser sa visite avant de s’y rendre. Afin de vous faciliter la t
âche, nous avons regroupé les 10 œuvres incontournables de l’Art Institute of Chicago à ne surtout pas manquer.

1. American Gothic , Grant Wood, 1930

L’une des plus importantes peintures d’art moderne, American Gothic de Grant Wood, représente un fermier tenant une fourche et sa fille devant une maison de style gothique américain dans l’Iowa. Ce tableau célèbre de la pop-culture a été parodié des dizaines de fois au fil des ans.

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Grant Wood (1891 – 1942): American Gothic, 1930, 78 cm × 65 cm, Art Institute of Chicago, Chicago 🇬🇧 .. This familiar image was exhibited publicly for the first time at the Art Institute of Chicago, winning instant fame for Grant Wood. The impetus for the painting came while Wood was visiting the small town of Eldon in his native Iowa. There he spotted a little wood farmhouse, with a single oversized window, made in a style called Carpenter Gothic. He used his sister and his dentist as models for a farmer and his daughter, dressing them as if they were “tintypes from my old family album.” The highly detailed, polished style and the rigid frontality of the two figures were inspired by Flemish Renaissance art style. American Gothic, often understood as a satirical comment on the midwestern character, quickly became one of America’s most famous paintings and is now firmly entrenched in the nation’s popular culture. The man and woman, in their solid and well-crafted world, with all their strengths and weaknesses, represent survivors. 🇹🇷 … Bu tanıdık görüntü ilk kez Chicago Sanat Enstitüsü'nde halka açık bir alanda sergilendi ve Grant Wood için anında ün kazandı. Resmin ilham gücü Wood, memleketi Lowa'daki küçük Eldon kasabasını ziyaret ettiği sırada geldi. Orada, Carpenter Gotik tarzında yapılmış tek pencereli küçük bir ahşap çiftlik evini fark etti. Kız kardeşi ve dişçisini bir çiftçi ve kızı için model olarak kullandı ve sanki onları “eski aile albümümden tipler” gibi giydirdi. İki figürün son derece ayrıntılı, parlak stili ve sert cephesi, Flaman Rönesans sanat stilinden ilham aldı. Genellikle orta batı karakterine hicivli bir yorum olarak anlaşılan Amerikan Gotik, hızla Amerika'nın en ünlü resimlerinden biri haline geldi ve şimdi ülkenin popüler kültürüne sıkıca yerleşti. Erkek ve kadın, sağlam ve iyi hazırlanmış dünyalarında hala, tüm güçlü ve zayıf yanlarıyla hayatta kalanları temsil etmekte. #Theartagnan #GrantWood #AmericanGothic #AmerikanGotiği #ArtInstituteofChicago #Chicago #Masterpiece #Art #👫 #🏡

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2. Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte , Georges Seurat, 1884 – 1886

Une autre œuvre emblématique, qui est la principale source d’inspiration de la comédie musicale Sunday in the Park with George de Stephen Sondheim. Georges Seurat utilise la technique pointilliste pour représenter un dimanche après-midi dans un parc au bord de la Seine.

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Seurat's artwork 'Bathers at Asnières' preceded 'A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte', which shows people on the bank of the other side of the river. While the Bathers at Asnières on the left bank are working-class people, it is the bourgeoisie who are on the right bank. Seurat's message has been interpreted as implying that the working class represented the future, while the middle classes had grown decrepit and ridden with vice. Using newly discovered optical and colours theories, the artist's technic contrasted miniature dots or small brushstrokes of colors that when unified optically in the human eye were perceived as a single shade or hue. _ A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte, Georges Seurat, 1884 © The Art Institute of Chicago

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3. La chambre à coucher, Vincent Van Gogh, 1888

Il s’agit de la deuxième des trois versions de la chambre de l’artiste dans sa maison à Arles. Elle met en avant l’approche à la couleur et la complexité du coup de pinceau de Van Gogh. Cette œuvre fut en fait peinte de mémoire lors de son séjour en hôpital psychiatrique.

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Vincent van Gogh moved into his "Yellow House" in Arles, France in 1888. The moment marked the first time the artist had a home of his own, and he immediately and enthusiastically set about decorating, painting a suite of canvases to fill the walls. Completely exhausted from the effort, Van Gogh spent two-and-a-half days in bed and was then inspired to create a painting of his bedroom for the first time. He so highly esteemed the work that he made three distinct versions: the first, now in the collection of the @vangoghmuseum; the second, belonging to the Art Institute, painted a year later on the same scale; and a third, smaller canvas in the collection of the @museeorsay, which he made as a gift for his mother and sister. Van Gogh’s short, nomadic life was characterized by a constant search for a home and place to belong. Although he never found the permanent haven he so desired, his memory endures as one of the world’s most beloved artists. See Van Gogh's work on view at the Art Institute.

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4. Nighthawks, Edward Hopper, 1942

Dans ce tableau, on aperçoit quatre individus en pleine nuit dans un restaurant situé dans le coin d’une rue calme de New-York. La lumière jaillit de la façade, éclairant le trottoir sombre et désert. Un couple est assis d’un côté du bar et un homme de l’autre tandis que le serveur derrière le comptoir s’occupe d’eux. Cette œuvre est mystérieuse, poignante et solitaire.

5. Les Nymphéas, Monet, 1906

Parmi les 250 représentations de sa maison à Giverny, le travail de Monet sur Les Nymphéas à l’Art Institute of Chicago comprend sa passerelle japonaise, qui apparaît dans 17 tableaux de la série.

6. Le bain de l’enfant, Mary Cassatt, 1893

Seule artiste américaine (et l’une des rares femmes) à participer à l’exposition impressionniste, Mary Cassatt est connue pour son style délicat et ses pastels. Son travail capture la vie domestique, en particulier celle des femmes, avec une touche tendre et féminine. Cassatt a participé à une exposition de gravures japonaises en 1890 à l’École des Beaux-Arts de Paris, et on retrouve ainsi quelques influences japonaises dans son travail.

7. Le Vieux Guitariste aveugle , Pablo Picasso, 1903 – 1904

Sans doute le tableau le plus significatif de la Période Bleue de l’artiste, Le Vieux Guitariste aveugle représente un vieil aveugle qui semble amaigri, avec des vêtements usés, assis dans une rue de Barcelone, penché sur sa guitare. Picasso peint ce tableau à un moment de sa carrière où il s’est concentré sur les opprimés. Cette œuvre puissante est évocatrice et même déchirante.

8. America Windows, Marc Chagall, 1977

Cet artiste moderniste franco-russe est associé à de nombreux styles et supports, dont le vitrail. Même s’il utilise surtout le symbolisme religieux, ce trio de vitraux se situe du côté laïc, mettant en œuvre des symboles de l’histoire américaine, de la ligne d’horizon de Chicago et des arts.

9. Rue de Paris, temps de pluie,, Gustave Caillebotte, 1877

Impressionniste et sensible au réalisme, Gustave Caillebotte s’intéresse également à la photographie, ce qui se retrouve dans son œuvre. Rue de Paris, temps de pluie, montre une scène de rue quotidienne de piétons passant par la place de Dublin (anciennement le Carrefour de Moscou) dans le huitième arrondissement de Paris.

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BACK ON VIEW—Gustave Caillebotte's "Paris Street; Rainy Day" returns to our galleries of Impressionist and Post-Impressionist art. The painting dominated the celebrated Impressionist exhibition of 1877, largely organized by the artist himself. Its highly crafted surface, rigorous perspective, and grand scale pleased Parisian audiences accustomed to the academic aesthetic of the official Salon. On the other hand, its asymmetrical composition, unusually cropped forms, rain-washed mood, and candidly contemporary subject stimulated a more radical sensibility. In many ways, Caillebotte’s frozen poetry of the Parisian bourgeoisie prefigures Georges Seurat’s luminous "Sunday on La Grande Jatte—1884," painted less than a decade later. See "Paris Street; Rainy Day" on view in Gallery 201.

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10. Les Deux Soeurs, Pierre Auguste Renoir, 1881

L’une des œuvres les plus remarquables de Renoir, Les Deux Soeurs est un portrait attachant de deux jeunes filles assises sur la terrasse d’un restaurant avec la Seine en arrière-plan. L’une d’elles tient un panier rempli de pelottes de laine et elles sont toutes deux ornées de fleurs. Le tableau évoque un sentiment de joie et de convivialité.

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My Dear Sister You may fall but I have your back You may forget, but your schedule I have on track You may forget me, but I won’t you You may not remember what to do But in this fight we’ll walk side by side But whenever you need I’ll give you a ride My Dear Sister Do not fret I’ll be the very best friend you’ve ever met My dear sister when you are in need The very words you say I will take heed My Dear Sister I love you so much When your spirit wounded my shoulder is you crutch Chocolate Bunny . 📌 Two Sisters On the Terrace 👨🏽‍🎨Pierre-Auguste Renoir 🏛Art Institute of Chicago #pierreaugusterenoir #renoirpainting #chocolatebunny #poetry #loveart #sisters #twosistersontheterrace #photooftheday #bestpicart #artandpoetry

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