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14 des peintures d’art moderne les plus remarquables

14 des peintures d’art moderne les plus remarquables

De La Nuit étoilée de Van Gogh à l’American Gothic de Grant Wood, Musement se penche sur quatorze des plus grandes peintures d’art moderne.

En s’attaquant à l’art moderne, nous nous attaquons à une incroyablement riche catégorie d’art qui, par définition, comprend tout l’art créé entre les années 1960 et 1970. L’art moderne englobe de nombreux mouvements différents comme le cubisme, le post-impressionnisme, le surréalisme et l’impressionnisme pour n’en citer que quelques-uns.
Il existe tellement de peintures d’art moderne emblématiques, qu’il n’est pas facile de réduire le nombre de tableaux à quatorze parmi les plus importants. Si vous ne trouvez pas l’une de vos œuvres préférées, faites-le nous savoir dans les commentaires.

1. La Joie de vivre, Matisse, 1906

Considéré comme l’un des piliers de l’art moderne, La Joie de vivre de Matisse a suscité un scandale, en raison de son schéma de couleurs et de ses distorsions. Chef de fil du fauvisme, Matisse a appliqué dans son œuvre la prédominance de la couleur et des qualités picturales au-delà de la réalité. Le tableau représente plusieurs corps nus se prélassant avec insouciance.
Où: The Barnes Foundation, Philadelphie.

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The Joy of Life – Henri Mattise 1905-06, Barnes Foundation Philadelphia , USA style: fauvism Bonheur de Vivre or else "The Joy of Life" is recognized as the greatest fauvistic work in history of art. The work is saturated with color in the spirit of fauvism, where the colors served as a transmitter of emotion and not the real colors percieved by the artist. The artwork is a masterpiece that has definitely changed the fate of contemporary painting. Mattise's work particularly influenced the work of Pablo Picasso, who, inspired by the image, created the famous Virgins of Avignon. The radical disortion of the characters scale, viewed from different angels allows the observer to become part of the visual scene of the image. The painting is located in the private collection of Albert C. Barnes, an art collector who bought it from Christian Tetzen-Lund. The work can be seen at the Barnes Foundation in Philadelphia, USA. This is one of the most outstanding collections of contemporary art in which we can also see works of m.i. Edgar Degas, Henri Rousseau, Pierre-Auguste Renoir and Paul Cezanne. The painting was once in the possession of Leo and Gertrude Stein, who very deeply reflected their mark on the development of 20th century art. An interesting fact is that since 1992 there is a total ban on reproduction of the image in color. #arthistory #henrimattise #artist #painting #painter #artgallery #artisticinspiration #inspiration #artistic_nation #artlover #historiasztuki #artoftheday #artistoftheday #artshot #traditionalpainting #modernart #modernism #artprofile #artstudentv #educationchannel #education #culture #cultural #artistlifestyle #instaart #artistsofinstagram #instaartist #artvisual #visualart #masterpiece

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2. Les Demoiselles d’Avignon, Picasso, 1907

Autre pierre angulaire de l’art moderne, Les Demoiselles d’Avignon de Picasso est l’une des œuvres les plus célèbres de l’artiste. Le tableau représente cinq prostituées nues dans un bordel de Barcelone. Au lieu de les dépeindre typiquement féminines et séduisantes, Picasso met en œuvre des angles vifs et des formes disjointes pour les faire apparaître quelque peu intimidantes et primitives. Le tableau présente également des influences d’Afrique et d’Océanie.
Où: MoMA, New York

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One of Picasso's most successful periods as an artist from 1907-1909 was heavily inspired by Western and Central African art. – Picasso also never spoke of it's influence on his work either. – As brilliant of a painter Picasso was, his story was also sort of just 🤦‍♂️ to me. – There are plenty of painters and artists like this though whose work I really love but never could enjoy their stories..Jackson Pollock, Arshille Gorky, Thomas Hart Benton, Diego Rivera, Frank Lloyd Wright, just to name a few. All great master painters, artists, and thinkers… but…NOT very good people. 🤷‍♂️ – #picasso #africanart #arthistory #africansculptures #cubism #abstractart #abstractpainter #themasters #earlymodernism #modernism #modernart #LesDemoisellesdAvignon

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3. Les Nymphéas, Monet

Claude Monet a peint des nénuphars sous une forme ou une autre pratiquement tout au long de sa carrière, ce qui a donné lieu à plus de 250 œuvres qui leurs sont dédiées. L’artiste a exposé la première série en 1900, après s’être inspiré des jardins de sa maison à Giverny. Ces œuvres sont non seulement emblématiques de l’artiste, mais aussi de l’impressionnisme dans son ensemble. Aujourd’hui, on peut trouver ses nénuphars à travers le monde dans des endroits comme l’Art Institute of Chicago, le MoMA, le Chichu Art Museum au Japon et la National Gallery de Londres. L’un des meilleurs endroits pour les contempler est L’orangerie du jardin des Tuileries à Paris, qui a été spécialement adaptée pour les œuvres et a été ouverte au public en 1927.

4. La Persistance de la mémoire, Salvador Dalí, 1931

La Persistance de la mémoire est non seulement l’une des œuvres les plus marquantes de Dalí, mais elle est également considérée comme un pilier du surréalisme. Les horloges flasques qui semblent fondre sur la toile de fond du lever du soleil à Port Lligat, un village de Catalogne, ont été interprétées de nombreuses façons.
Où: MoMA, New York

5. La Nuit étoilée, Vincent Van Gogh

Autre joyau du MoMA, La Nuit étoilée de Van Gogh dépeint la vue depuis sa chambre à l’asile de Saint-Rémy-de-Provence, où il a séjourné de mai 1889 à mai 1890. Le tableau est connu pour ses tourbillons magnifiquement chaotiques qui donnent vie à l’enchantement du ciel nocturne.

6. Autoportrait au collier d’épines et colibri, Frida Kahlo, 1940

Frida Kahlo a peint cet autoportrait après son divorce de Diego Rivera. Le colibri est un gage d’amour et un symbole d’espoir au Mexique, mais dans ce tableau, il est représenté mort et évoque la souffrance, coincé dans un collier d’épine. Le chat noir, signe de malchance, tente de capturer le colibri. Alors que de nombreuses œuvres de Kahlo se trouvent dans le musée qui porte son nom à Mexico, ce tableau, qui est l’une des œuvres les plus célèbres de Kahlo, se trouve au Centre Harry Ransom de l’Université du Texas à Austin.

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Painting: Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird (1940) . . . Artist: Frida Kahlo . . . Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird is one of the many celebrated self-portraits painted by Frida Kahlo. She started painting these portraits as an escape from her physical and emotional pain after a bus accident that left her bedridden. . . Kahlo painted this oil on canvas self-portrait soon after her divorce from the famous Mexican painter Diego Rivera and the end of her affair with Nickolas Murray. Murray bought the painting soon after, which now is a part of the Nickolas Murray Collection at the University of Texas. . . All the elements of the painting, the monkey, the thorns around her neck, the hummingbird, and the cat, symbolise different aspects of Kahlo's life. It is evident that she was using these elements to express her agony in a low period of her life. Other such paintings by Kahlo are The Two Fridas (1939), Self-Portrait with Monkey (1938), The Broken Column (1944) and The Wounded Deer (1946). . . . . . . This post is a part of the series, "Modern Art" wherein we reminisce and appreciate some beautiful paintings from an age bygone. It is an attempt to revive the riches left to us by some iconic painters of the time. (6/6)

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7. Portrait d’Adele Bloch-Bauer 1, Gusav Klimt, 1907

Klimt est légendaire pour ses œuvres surréalistes et symbolistes, et pour celle-ci, en particulier. Ce tableau fait partie de l’un des deux portraits d’Adele Bloch-Bauer commandés par son mari, un banquier tchèque ayant fait fortune dans l’industrie du sucre. Si vous avez vu le film La Femme au tableau ou l’un des documentaires qui lui sont consacrés, alors vous savez qu’il a été volé par les nazis. L’œuvre a ensuite été au centre de batailles juridiques menées par la nièce d’Adele Bloch-Baue, Maria Altmann, pendant presque dix ans. Elle a remporté ce tableau, ainsi que quatre œuvres de Klimt, à son retour du Belvédère à Vienne. Le portrait se trouve aujourd’hui à la Neue Galerie de New York.

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Gustav Klimt's "Portrait of Adele Bloch Bauer I" (1907) remains permanently on view at Neue Galerie New York in the Klimt Gallery. In this painting, one of the artist's greatest achievements, gold is used in a variety of contexts, from the lustrous background to the shining fabric of Adele's gown. The subject seems to become one with her glowing surroundings, yet a distinctive figure emerges from the profusion of decorative motifs. Adele appears as a modern, complex woman, her intelligence as evident as her sensuality. Her hands are folded in such a way as to conceal a deformed finger, yet the gesture only adds to her mysterious grace. – Throughout September, museum entry to Neue Galerie New York has been pay what you wish. Join us on these final days to take advantage of this limited time offer, ending September 30. During this time, the galleries are open to visitors on a limited basis, as installation is underway. We have been preparing for our next special exhibition, “Ernst Ludwig Kirchner,” opening October 3. – Gustav Klimt, "Adele Bloch-Bauer I," 1907, oil, silver, and gold on canvas. Neue Galerie New York. Acquired through the generosity of Ronald S. Lauder, the heirs of the Estates of Ferdinand and Adele Bloch-Bauer, and the Estée Lauder Fund. – #NeueGalerie #NeueGalerieNY #WomenInGold #GustavKlimt #PayWhatYouWish

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8. American Gothic, Grant Wood, 1930

Voilà l’une des peintures les plus emblématiques de tous les temps. L’American Gothic représente un couple debout devant la Dibble House, une maison de l’Iowa conçue dans le style néogothique (Carpenter Gothic style) nord-américain. Le peintre a demandé à sa sœur et à son dentiste de poser en se faisant passer pour le genre de personnes qui, selon lui, « seraient susceptibles d’y vivre ». Le tableau est exposé à l’Art Institue of Chicago.

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American Gothic is a painting by Grant Wood in the collection of the Art Institute of Chicago. Wood's inspiration came from what is now known as the American Gothic House, and his decision to paint the house along with "the kind of people I fancied should live in that house." The painting shows a farmer standing beside a woman that has been interpreted to be either his wife or his daughter. The figures were modeled by Wood's sister, Nan Wood Graham and Grant Wood's dentist, Dr Byron McKeeby. The woman is dressed in a colonial print apron evoking 19th-century Americana, and the man is holding a pitchfork. The plants on the porch of the house are mother-in-law's tongue and geranium, which are the same plants as in Wood's 1929 portrait of his mother, Woman with Plants. It is one of the most familiar images in 20th-century American art, and has been widely parodied in American popular culture. #grantwood #anericangothic

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9. Nighthawks , Edward Hopper, 1942

L’Art Institute of Chicago abrite une mine de peintures d’art moderne, et Nighthawks d’Edward Hopper est l’une des plus exemplaires. Le tableau immortalise un dîner, en fin de soirée, dans un restaurant légèrement désert dans une rue encore plus déserte de la ville qui est éclairée par la lumière provenant des fenêtres du restaurant. Hopper résidait à Greenwich Village, et on pense que son quartier a inspiré le tableau, bien qu’il soit impossible déterminer le lieu exact.

10. Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte, Georges Seurat 1884 to 1886

Le Chicago Art Institue abrite également une autre des peintures les plus emblématiques de tous les temps: A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte de George Seurat. Ici, l’artiste post-impressionniste a mis en œuvre le pointillisme pour représenter des Parisiens profitant d’un dimanche après-midi dans un parc le long d’une des rives de la Seine. C’est ce qui a inspiré la comédie musicale acclamée de Stephen Sondheim, Sunday in the Park with George.

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. . . . WHERE ART & COMEDY MERGE ————————————— GEORGES SEURAT PAINTER 1859-1891 (AGED 31) ————————————- SUNDAY AFTERNOON ON THE ISLAND OF LA GRANDE ————————————— HAPPY SUNDAY‼️———————————— HIS LARGE SCALE WORK OF THIS PARTICULAR PAINTING ALTERED THE DIRECTION OF MODERN ART BY INITIATING NEO-IMPRESSIONISM. HE WAS ONE OF THE ICONS OF 19th CENTURY PAINTING ————————————— #sundayafternoonontheislandoflagrandejatte #georgesseurat #happy #sunday #fineart #fun #stayhome #cook #draw #eat #readabook #write #illustration #literary #sports #standup #artists #happy #comedian #art #comedy #creativity #hilarious #talent #comic #arte #movies #artofinstagram #painting #create

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11.Le Cri, Edvard Munch, 1893

Voilà un autre tableau iconique (et pour certains effrayant) qui appartient lui-aussi à l’art moderne, mais pas à l’Art Institue de Chicago. La série Le Cri d’Edvard Munch se compose de deux peintures toutes deux exposées à Oslo. L’une se trouve au musée de l’artiste norvégien du même nom et l’autre à la National Gallery.

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The Scream (1910), done in Tempera. . . At 11:20 am on 22 August 2004 two masked men entered Oslo’s Munch Museum, armed with pistols . . People watched, scared, as they walked around and took ‘The Scream #4’ and ‘Madonna’ off the wall. Surprisingly, no alarms sounded, as they broke the system by tugging the paintings down so hard they broke the string alarm. . . In June 2005, the Norwegian Government posted an award of 2 million Norwegian krone for information leading to the recovery of The Scream and M&M offered 2 million M&Ms for whoever had information too! . . On 31st August 2006, they finally recovered both of Munch’s paintings – they already had 6 people charged and arrested three months prior, with Hoen and Tharaldsen (the two thieves) paying a huge sum of 750 million kroner. . . Not only do Munch’s paintings tell a story, but they too have been on crazy stories themselves. . . #art #artist #artwork #thescream #thescream_art #munch #edvardmunch #expressionism #expression #swirl #theft #stolenart #stolenartwork #colour

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12. Moi et le Village , Marc Chagall, 1911

Cette peinture d’art moderne cubiste fantaisiste de l’artiste franco-biélorusse est un « autoportrait narratif » de son enfance. Les images superposées du folklore, de la religion, des paysages russes et de son passé sont compensées par la couleur et la forme, le tout tissant ensemble un résultat irrésistible. À voir au MoMA.

13. Les Joueurs de cartes, Paul Cezanne, 1890 – 1895

Cette série du post-impressionniste français dépeint des paysans provençaux fumant la pipe et jouant aux cartes. Ces cinq tableaux considérés comme une pierre angulaire de sa carrière, ont été achevés juste avant les dernières années de son activité artistique, lorsqu’il a produit certaines de ses œuvres les plus acclamées. Les peintures sont réparties entre la Barnes Foundation à Philadelphie, le Musée d’Orsay à Paris, le MoMA, le Courtauld Institute of Art à Londres et une collection privée de la famille royale du Qatar.

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The Card Players – Paul Cézanne

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Le Déjeuner sur l’herbe, Édouard Manet, 1863

Figure clé du mouvement impressionniste, l’œuvre de Manet représente une femme nue déjeunant avec deux hommes tandis qu’une femme à moitié nue semble se laver dans le ruisseau derrière eux. Ce tableau, qui est ouvert à l’interprétation, a suscité une controverse lorsque Manet l’a exposé au Salon des Refusés en 1863. Vous pouvez le voir au musée d’Orsay à Paris ou au Courtauld Institute of Art de Londres, qui abrite une petite version antérieure de l’œuvre.

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#manet #édouardmanet #ledejeunersurlherbe #lacolazionesullerba #france #francia #paris #parigi #arte #pittura #dipinti #quadri #impresssionismo #espressionismo #monet #degas #renoir #picasso #utrillo #picabia #zola #enpleinair #modigliani #montmartre #montparnasse #napoleoneIII #nudo #mostre LE PETITE DÉJEUNER SUR L'HERBE ============================ Colazione sull'erba (Le petite déjeuner sur l'herbe) è un dipinto del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1863 e conservato al museo d'Orsay di Parigi. Enorme fu la scandalo che questo quadro suscitò, enorme e prezioso per capire come la censura operi. Guardate il dipinto: cosa vi è di così scandaloso? Una donna nuda? È forse la prima volta che in un'opera vediamo una donna nuda? No di certo, il nudo nell'arte era da sempre accettato, studiato. Dove sta quindi lo scandalo? Nel contesto. La donna non è una ninfa, non è un personaggio mitologico o letterario, Manet non si avvale di tale pretesto. Gli stessi due uomini che sono con lei non sono camuffati con paludamenti storici. Manet semplicemente rappresenta la realtà, la realtà di quei tempi, Manet dipinge una scena che nella Parigi d'allora sì, si poteva vedere. Qui sta lo scandalo, la colpa che i benpensanti non perdonano a Manet. Come se non bastasse, pure la fattura stessa del dipinto viene giudicata inaccettabile, si accusa Manet di non aver saputo usare né il chiaroscuro né la prospettiva geometrica. E Napoleone III? Si reca personalmente a vedere il dipinto, lo giudica un intollerabile attacco alla morale borghese. Interessantissimo quindi questo quadro, al di là delle valutazioni artistiche, per capire la mentalità dei censori, mentalità che è uguale in ogni epoca. La censura ti permette molto, devi però sempre ammantare la tua opera d'ipocrisia, collocandola in un periodo passato, inserendola in contesti già da tempo accettati. Se tu invece parli della realtà, dei tuoi giorni, della tua epoca, qui cominciano i guai.

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