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14 bedeutende Bilder der Modernen Kunst

14 bedeutende Bilder der Modernen Kunst

Von Van Goghs Sternennacht bis zu Grant Woods American Gothic präsentiert Musement 14 der bekanntesten Bilder der Modernen Kunst.

Moderne Kunst ist ein vollgeladener und etwas unscharfer Begriff. Per Definition umfasst Moderne Kunst die gesamte Kunst, die zwischen 1860 und 1970 geschaffen wurde, und diese Zeitspanne umfasst mehrere Kunststile und Philosophen. Dazu gehören u.a. Kubismus, Post-Impressionismus, Surrealismus und Impressionismus.

Da so viele unglaubliche Werke in diesem Zeitraum erschaffen wurden, war es nicht einfach, die 14 herausragendsten auszuwählen. Falls du eines deiner Lieblingsbilder vermisst, lasse es uns in den Kommentaren wissen.

1. Le bonheur de vivre/ Die Lebensfreude von Matisse, 1906

Matisse’s Werk Die Lebensfreude, das als einer der Grundpfeiler der modernen Kunst gilt, erregte aufgrund seines Farbschemas und seiner Verzerrungen Empörung. Als einer der Hauptvertreter des Fauvismus setzte Matisse die für diesen Stil charakteristische Farbgebung und malerischen Qualitäten über die Realität. Das Gemälde zeigt mehrere nackte Körper, die sich unbeschwert im Leben sonnen. Wo: The Barnes Foundation in Philadelphia.

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The Joy of Life – Henri Mattise 1905-06, Barnes Foundation Philadelphia , USA style: fauvism Bonheur de Vivre or else "The Joy of Life" is recognized as the greatest fauvistic work in history of art. The work is saturated with color in the spirit of fauvism, where the colors served as a transmitter of emotion and not the real colors percieved by the artist. The artwork is a masterpiece that has definitely changed the fate of contemporary painting. Mattise's work particularly influenced the work of Pablo Picasso, who, inspired by the image, created the famous Virgins of Avignon. The radical disortion of the characters scale, viewed from different angels allows the observer to become part of the visual scene of the image. The painting is located in the private collection of Albert C. Barnes, an art collector who bought it from Christian Tetzen-Lund. The work can be seen at the Barnes Foundation in Philadelphia, USA. This is one of the most outstanding collections of contemporary art in which we can also see works of m.i. Edgar Degas, Henri Rousseau, Pierre-Auguste Renoir and Paul Cezanne. The painting was once in the possession of Leo and Gertrude Stein, who very deeply reflected their mark on the development of 20th century art. An interesting fact is that since 1992 there is a total ban on reproduction of the image in color. #arthistory #henrimattise #artist #painting #painter #artgallery #artisticinspiration #inspiration #artistic_nation #artlover #historiasztuki #artoftheday #artistoftheday #artshot #traditionalpainting #modernart #modernism #artprofile #artstudentv #educationchannel #education #culture #cultural #artistlifestyle #instaart #artistsofinstagram #instaartist #artvisual #visualart #masterpiece

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2. Les Demoiselles d’Avignon von Picasso, 1907

Ein weiterer Eckpfeiler der modernen Kunst, ist Picassos Les Demoiselles d’Avignon, eines der berühmtesten Werke des Künstlers. Er porträtiert fünf nackte Prostituierte in einem Bordell in Barcelona. Anstatt sie als typisch weiblich und verführerisch darzustellen, setzt Picasso scharfe Winkel und unzusammenhängende Formen ein, um sie irgendwie einschüchternd und primitiv erscheinen zu lassen. Das Gemälde zeigt auch Einflüsse aus Afrika und Ozeanien. Wo: MoMA in New York.

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One of Picasso's most successful periods as an artist from 1907-1909 was heavily inspired by Western and Central African art. – Picasso also never spoke of it's influence on his work either. – As brilliant of a painter Picasso was, his story was also sort of just 🤦‍♂️ to me. – There are plenty of painters and artists like this though whose work I really love but never could enjoy their stories..Jackson Pollock, Arshille Gorky, Thomas Hart Benton, Diego Rivera, Frank Lloyd Wright, just to name a few. All great master painters, artists, and thinkers… but…NOT very good people. 🤷‍♂️ – #picasso #africanart #arthistory #africansculptures #cubism #abstractart #abstractpainter #themasters #earlymodernism #modernism #modernart #LesDemoisellesdAvignon

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3. Seerosen von Monet

Claude Monet malte so ziemlich seine ganze Karriere lang Seerosen in irgendeiner Form oder Gestalt, was zu mehr als 250 gewidmeten Werken führte. Die erste Serie stellte der Künstler 1900 aus, nachdem er sich von den Gärten seines Hauses in Giverny inspirieren ließ. Die Werke sind nicht nur symbolisch für den Künstler, sondern auch für den Impressionismus als Ganzes. Heutzutage findet man seine Seerosen auf der ganzen Welt an Orten wie dem Art Institute of Chicago, dem MoMA, dem Chichu Art Museum in Japan und in der Londoner National Gallery. Einer der besten Orte ist L’orangerie in den Tuileries Gardens in Paris, der speziell für die Werke adaptiert und 1927 für die Öffentlichkeit geöffnet wurde.

4. Die Beständigkeit der Erinnerung von Salvador Dalí, 1931

Die Beständigkeit der Erinnerung ist nicht nur eines der prägendsten Werke Dalís, sondern gilt auch als eine Säule des Surrealismus. Die schlaff wirkenden, scheinbar schmelzenden Uhren vor dem Hintergrund des Sonnenaufgangs in Port Lligat, einem Dorf in Katalonien, sind bereits auf vielfältige Weise interpretiert worden. Wo: MoMA in New York

5. Sternennacht von Vincent Van Gogh

Ein weiteres Juwel, das sich im MoMA befindet, ist Van Goghs Sternennacht. Es zeigt den Blick aus seinem Zimmer im Asyl in Saint-Rémy-de-Provence, wo er sich von Mai 1889 bis Mai 1890 aufhielt. Das Gemälde ist bekannt für seine wunderbar chaotischen Wirbel, die den zauberhaften Nachthimmel zum Leben erwecken.

6. Selbstbildnis mit Dornenhalsband von Frida Kahlo, 1940

In diesem Selbstporträt stellte sich Frida Kahlo nach ihrer Scheidung von Diego Rivera dar. Die Dornenketten repräsentieren ihre Schmerzen, während der tote Kolibri ein Glückssymbol ist. Die schwarze Katze, ein Symbol für Pech, versucht, den Kolibri zu fangen. Während sich viele ihrer Werke in ihrem gleichnamigen Museum in Mexiko-Stadt befinden, ist dieses Gemälde, eines von Kahlos berühmtesten Werken, im Harry Ransom Center an der University of Texas in Austin zu finden.

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Painting: Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird (1940) . . . Artist: Frida Kahlo . . . Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird is one of the many celebrated self-portraits painted by Frida Kahlo. She started painting these portraits as an escape from her physical and emotional pain after a bus accident that left her bedridden. . . Kahlo painted this oil on canvas self-portrait soon after her divorce from the famous Mexican painter Diego Rivera and the end of her affair with Nickolas Murray. Murray bought the painting soon after, which now is a part of the Nickolas Murray Collection at the University of Texas. . . All the elements of the painting, the monkey, the thorns around her neck, the hummingbird, and the cat, symbolise different aspects of Kahlo's life. It is evident that she was using these elements to express her agony in a low period of her life. Other such paintings by Kahlo are The Two Fridas (1939), Self-Portrait with Monkey (1938), The Broken Column (1944) and The Wounded Deer (1946). . . . . . . This post is a part of the series, "Modern Art" wherein we reminisce and appreciate some beautiful paintings from an age bygone. It is an attempt to revive the riches left to us by some iconic painters of the time. (6/6)

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7. Adele Bloch-Bauer 1, Gustav Klimt, 1907

Klimt war für seine surrealen, symbolhaften Werke bekannt, und gerade dieses Bild ist für die Goldphase des Österreichers bezeichnend. Dies war eines von zwei Porträts von Adele Bloch-Bauer, die ihr Mann, ein tschechischer Bankier und Zuckerfabrikant, in Auftrag gegeben hatte. Wenn Sie den Film Die Dame in Gold oder einen der dazugehörigen Dokumentarfilme gesehen haben, wissen Sie, dass dieses Gemälde von den Nazis gestohlen wurde. Das Werk wurde dann zum Mittelpunkt eines fast zehnjährigen Rechtsstreits von der Nichte der Porträtierten, Maria Altmann. Sie gewann dieses Gemälde zusammen mit vier Werken Klimts aus dem Belvedere in Wien zurück. Das Porträt befindet sich heute in der Neuen Galerie in New York.

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Gustav Klimt's "Portrait of Adele Bloch Bauer I" (1907) remains permanently on view at Neue Galerie New York in the Klimt Gallery. In this painting, one of the artist's greatest achievements, gold is used in a variety of contexts, from the lustrous background to the shining fabric of Adele's gown. The subject seems to become one with her glowing surroundings, yet a distinctive figure emerges from the profusion of decorative motifs. Adele appears as a modern, complex woman, her intelligence as evident as her sensuality. Her hands are folded in such a way as to conceal a deformed finger, yet the gesture only adds to her mysterious grace. – Throughout September, museum entry to Neue Galerie New York has been pay what you wish. Join us on these final days to take advantage of this limited time offer, ending September 30. During this time, the galleries are open to visitors on a limited basis, as installation is underway. We have been preparing for our next special exhibition, “Ernst Ludwig Kirchner,” opening October 3. – Gustav Klimt, "Adele Bloch-Bauer I," 1907, oil, silver, and gold on canvas. Neue Galerie New York. Acquired through the generosity of Ronald S. Lauder, the heirs of the Estates of Ferdinand and Adele Bloch-Bauer, and the Estée Lauder Fund. – #NeueGalerie #NeueGalerieNY #WomenInGold #GustavKlimt #PayWhatYouWish

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8. American Gothic von Grant Wood, 1930

Als eines der ikonischsten Bilder aller Zeiten wurde American Gothic überall von den Simpsons bis hin zu politisch motivierten Aussagen herangezogen. Das Bild zeigt ein Paar, das vor dem Dibble House steht, einem Haus in Iowa, das im Stil der nordamerikanischen Carpenter Gothic entworfen wurde. Er bat seine Schwester und seinen Zahnarzt, sich als die Art von Menschen auszugeben, von denen er sich „wünschte, dass sie dort leben sollten“. Das Bild ist im Art Institue of Chicago zu sehen.

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American Gothic is a painting by Grant Wood in the collection of the Art Institute of Chicago. Wood's inspiration came from what is now known as the American Gothic House, and his decision to paint the house along with "the kind of people I fancied should live in that house." The painting shows a farmer standing beside a woman that has been interpreted to be either his wife or his daughter. The figures were modeled by Wood's sister, Nan Wood Graham and Grant Wood's dentist, Dr Byron McKeeby. The woman is dressed in a colonial print apron evoking 19th-century Americana, and the man is holding a pitchfork. The plants on the porch of the house are mother-in-law's tongue and geranium, which are the same plants as in Wood's 1929 portrait of his mother, Woman with Plants. It is one of the most familiar images in 20th-century American art, and has been widely parodied in American popular culture. #grantwood #anericangothic

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9. Nighthawks von Edward Hopper, 1942

Das Art Institute of Chicago beherbergt eine Fundgrube von Bildern der modernen Kunst, und Edward Hopper’s Nighthawks ist ein weiteres der beispielhaftesten. Das Bild zeigt ein leicht verlassenes spätabendliches Diner auf einer noch menschenleeren Straße der Stadt, das durch das durch die Fenster des Lokals einfallende Licht erhellt wird. Hopper wohnte in Greenwich Village, und es wird vermutet, dass seine Nachbarschaft das Gemälde inspiriert hat, auch wenn niemand den genauen Schauplatz bestimmen kann.

10. Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte von Georges Seurat, 1884 bis 1886

Das Chicago Art Institue beherbergt ein weiteres der ikonischsten Bilder aller Zeiten: George Seurats Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte. Hier setzte der Postimpressionist den Pointillismus ein, um Pariser zu porträtieren, die einen Sonntagnachmittag in einem Park an einem der Seineufer genießen. Dies war die Inspiration für Stephen Sondheims gefeiertes Musical Sunday in the Park with George.

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. . . . WHERE ART & COMEDY MERGE ————————————— GEORGES SEURAT PAINTER 1859-1891 (AGED 31) ————————————- SUNDAY AFTERNOON ON THE ISLAND OF LA GRANDE ————————————— HAPPY SUNDAY‼️———————————— HIS LARGE SCALE WORK OF THIS PARTICULAR PAINTING ALTERED THE DIRECTION OF MODERN ART BY INITIATING NEO-IMPRESSIONISM. HE WAS ONE OF THE ICONS OF 19th CENTURY PAINTING ————————————— #sundayafternoonontheislandoflagrandejatte #georgesseurat #happy #sunday #fineart #fun #stayhome #cook #draw #eat #readabook #write #illustration #literary #sports #standup #artists #happy #comedian #art #comedy #creativity #hilarious #talent #comic #arte #movies #artofinstagram #painting #create

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11.Der Schrei von Edvard Munch, 1893

Und ein weiteres ikonisches (und für manche das gruseligste) Bild aller Zeiten gehört ebenfalls zur modernen Kunst. Edvard Munchs Serie Der Schrei besteht aus zwei Gemälden, die beide in Oslo gefunden wurden. Das eine befindet sich im gleichnamigen Museum des norwegischen Künstlers, das andere in der Nationalgalerie.

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The Scream (1910), done in Tempera. . . At 11:20 am on 22 August 2004 two masked men entered Oslo’s Munch Museum, armed with pistols . . People watched, scared, as they walked around and took ‘The Scream #4’ and ‘Madonna’ off the wall. Surprisingly, no alarms sounded, as they broke the system by tugging the paintings down so hard they broke the string alarm. . . In June 2005, the Norwegian Government posted an award of 2 million Norwegian krone for information leading to the recovery of The Scream and M&M offered 2 million M&Ms for whoever had information too! . . On 31st August 2006, they finally recovered both of Munch’s paintings – they already had 6 people charged and arrested three months prior, with Hoen and Tharaldsen (the two thieves) paying a huge sum of 750 million kroner. . . Not only do Munch’s paintings tell a story, but they too have been on crazy stories themselves. . . #art #artist #artwork #thescream #thescream_art #munch #edvardmunch #expressionism #expression #swirl #theft #stolenart #stolenartwork #colour

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12. Ich und das Dorf, Marc Chagall, 1911

Dieses skurrile kubistische Gemälde des weißrussisch-französischen Künstlers der Moderne ist ein „narratives Selbstporträt“ seiner Kindheit. Die sich überlagernden Bilder aus Folklore, Religion, russischen Landschaften und seiner Vergangenheit werden durch Farbe und Form ausgeglichen, die alle zusammen ein überzeugendes Ergebnis verweben. Wo: MoMA

13. Die Kartenspieler von Paul Cezanne, 1890 – 1895

Diese Serie des französischen Postimpressionisten zeigt pfeiferauchende provenzalische Bauern beim Kartenspiel. Diese fünf Gemälde gelten als ein Eckpfeiler seiner Karriere, da sie kurz vor den letzten Jahren seiner Karriere vollendet wurden, als er einige seiner meist gepriesenen Werke schuf. Die Gemälde sind aufgeteilt zwischen der Barnes Foundation in Philadelphia, dem Musée d’Orsay in Paris, dem MoMA, dem Courtauld Institute of Art in London und einer Privatsammlung der königlichen Familie von Katar.

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The Card Players – Paul Cézanne

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14. Das Frühstück im Grünen von Édouard Manet, 1863

Als Schlüsselfigur der impressionistischen Bewegung porträtiert Manet in seinem Werk eine nackte Frau, die mit zwei Männern zu Mittag isst, während eine halbnackte Frau sich im Bach hinter ihnen zu waschen scheint. Das Bild, das offen für Interpretationen ist, löste eine Kontroverse aus, als Manet es 1863 im Salon des Refusés ausstellte. Überzeuge dich selbst davon im D’Orsay-Museum in Paris oder im Courtauld Institute of Art in London, das eine kleine frühere Version des Werkes beherbergt.

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